Glen Jones - IDN Slot Online - Slot Online Indonesia Premium303

Sejarah Singkat Mengenai Lukisan Petrikivka Yang Menarik

Sejarah Singkat Mengenai Lukisan Petrikivka Yang Menarik – Sejarah lukisan Petrikivka ini pun menelusuri kembali ke abad ke-18 tetapi juga memiliki akar pagan kuno. Ini adalah seni dekoratif tradisional yang masih menjadi kartu panggil Ukraina dan bagian tengah negara pada khususnya. Dengan ornamen aneh, warna cerah dan lekukan, semua orang jatuh cinta dengan seni ini dalam beberapa detik.

Sebelum Kristenisasi Rus Kiev, orang percaya bahwa di dalam ornamen yang indah terdapat kekuatan magis untuk melindungi orang dari kekuatan jahat dan ketidakbahagiaan. Itu sebabnya lukisan Petrikivka berfungsi sebagai penjaga dan sering dilukis di senjata dan rumah Zaporozhye Cossack. Namun sejarah sebenarnya dari gaya lukisan ini dimulai pada abad ke-18 ketika pemukim pertama tiba di Petrikivka (wilayah Dnipro).

Warga sebuah desa kecil menciptakan sebuah kebiasaan: semua wanita mengecat dinding gubuk dengan pola warna-warni bunga. Mereka melukis dengan kuas khusus, terbuat dari bulu kucing, atau hanya dengan jari. Fitur utama lukisan bunga adalah lokasi di tengah gambar tiga bunga besar, dari mana muncul bunga dan kuncup yang lebih kecil, lekukan dan tangkai.

Lukisan dinding, yang dibuat dengan pewarna buatan sendiri dari sari tanaman, pada abad ke-19, digantikan oleh cat minyak dan cat air. Selain itu, para wanita mulai membuat sketsa dan mendekorasi tidak hanya eksterior tetapi juga interior, furnitur, dan bahkan peralatan makan. Seni amatir secara bertahap berubah menjadi lukisan dekoratif kuda-kuda dan memperkenalkan banyak master: Tatiana Pata, saudara perempuan Pavlenko dan Nadia Bilokin. Setelah Perang Dunia Kedua, para profesional ini memprakarsai hasil lukisan Petrikivka di industri artistik di pabrik suvenir Kiev. Dengan demikian, mengembangkan seni lebih lanjut dan membawanya ke keadaan saat ini.

Dari generasi ke generasi, tradisi lukisan Petrikivka semakin disempurnakan. Ornamen Petrikivka modern didasarkan pada studi yang cermat tentang bentuk nyata flora dan interpretasi terampil seniman tentang warna-warna cerah yang tidak ada di dunia nyata. Pada tahun 2003, lukisan Petrikivka diakui oleh Situs Warisan Dunia UNESCO.…

Gaya Lukisan-Lukisan Tradisional India Yang Harus DiKetahui

Gaya Lukisan-Lukisan Tradisional India Yang Harus DiKetahui – Setiap daerah di India bisa dikaitkan dengan bentuk seni tertentu, yang mulai dari lukisan Mithila di Utara hingga lukisan Tanjore di Selatan, dan Pattachitra di Timur hingga Warli di barat. Anda akan melihat beberapa gaya lukisan paling menonjol di India untuk diketahui.

1. Lukisan Miniatur

Lukisan miniatur paling awal di India ditemukan pada daun lontar. Potongan-potongan ini biasanya dilukis untuk pedagang Jain dan Buddha, yang akan membawanya dalam perjalanan melintasi sub-benua India antara abad ke-10 dan ke-12. Miniatur awal ini, yang dianggap sebagai Pala dan Jain, kemudian diikuti oleh aliran seni yang berbeda seperti miniatur Rajasthani, Mughal, Pahari dan Deccani, yang masing-masing memiliki gaya dan keunikan tersendiri. Selanjutnya, setiap sekolah seni lukis miniatur memiliki sub-divisi di antara mereka, yang mencakup tradisi lukisan miniatur yang kaya yang dianggap sebagai manifestasi abadi dari kejeniusan kreatif negara.

2. Pattachitra

Salah satu bentuk seni paling awal (berasal dari abad ke-12) dari Orissa, Pattachitra secara harfiah diterjemahkan menjadi ‘gambar kain (kanvas)’: ‘Patta’, kain dan ‘Chitra’, gambar. Sebuah desa kecil bernama Raghurajpur, di Orissa, adalah surga Pattachitra bahkan hingga hari ini, dengan setiap keluarga memiliki setidaknya satu anggota keluarga yang terlibat dalam seni. Dewa Jagannath, yang diyakini sebagai inkarnasi Dewa Krishna, biasanya menjadi tema utama pattachitra. Tema lainnya termasuk kisah Radha-Krishna, adegan dari Ramayana dan Mahabharata (dua epos India yang populer), kegiatan kuil, dan lain-lain. Ciri penting chitrakar (seniman pattachitra tradisional) adalah penggunaan warna nabati dan mineral.

3. Warli Art

Seni Warli milik salah satu suku besar di negara bagian barat Maharashtra, Warlis. Pertama kali ditemukan pada awal 1970-an, bentuk seni ini dapat dilacak kembali ke abad ke-10 M. Mirip dengan lukisan gua prasejarah, lukisan Warli dilakukan di dalam dinding gubuk dan dieksekusi dengan gaya dasar. Bentuk kesenian ini biasanya menggambarkan gambaran kehidupan sehari-hari suku dan berbagai bentuk alam seperti matahari, bulan, dan hujan disertai dengan ciri tidak adanya tokoh mitologi atau agama. Hanya Dewi Ibu mereka, Palaghat, yang dipandang sebagai simbol kesuburan, yang digunakan sebagai motif utama dari setiap seni Warli. Pola melingkar adalah kejadian yang sangat umum dalam seni Warli, yang menunjukkan kepercayaan mereka bahwa kematian hanyalah awal yang lain.

4. Lukisan Thanjavur

Lukisan Thanjavur (Tanjore) adalah bentuk seni kuno yang berkembang di kota Thanjavur, India Selatan, di Tamil Nadu antara abad ke-16 dan ke-18. Lukisan Thanjavur adalah lukisan panel warna-warni yang dibuat di atas papan kayu dengan dewa sebagai tema utama komposisinya. Dewa biasanya memiliki mata berbentuk almond dan sosoknya tertutup oleh lengkungan atau tirai. Lukisan Thanjavur dicirikan oleh teknik berlapis emas dan permata, yang menggunakan daun emas dan batu berkilau (batu buatan yang digunakan saat ini) untuk menonjolkan aspek tertentu dari lukisan.…

Lukisan – lukisan Paling Terkenal Sepanjang Masa

Lukisan – lukisan Paling Terkenal Sepanjang Masa – Ketika membuat peringkat lukisan paling terkenal sepanjang masa, kita harus menyadari bahwa tindakan melukis adalah media kuno, yang berasal dari 40.000 tahun yang lalu, ketika manusia purba menerapkan oker dan arang ke dinding gua untuk membuat gambar binatang atau stensil. dari sidik jari mereka sendiri. Itu, dengan kata lain, hadir pada kelahiran pemikiran simbolis, mendahului kata-kata tertulis sekitar 35.000 tahun.

Bahkan dengan permulaan era modern, dan pengenalan fotografi, film dan teknologi digital, lukisan tetap menjadi mode ekspresi yang gigih, terlepas dari pernyataan siklus kematiannya.

Mustahil untuk mengatakan hanya banyak lukisan yang telah diawetkan selama puluhan ribu tahun, hanya saja persentase yang relatif kecil dari lukisan-lukisan itu dapat ditafsirkan sebagai lukisan klasik abadi yang telah menjadi akrab bagi public dan tidak secara kebetulan diproduksi oleh beberapa seniman paling terkenal dari semuanya waktu.

Itu mungkin menyatakan hal yang sudah jelas, tetapi menyisakan pertanyaan tentang campuran bakat, kejeniusan, dan keadaan apa yang mengarah pada penciptaan sebuah mahakarya. Mungkin jawaban paling sederhana adalah Anda mengetahuinya ketika Anda melihatnya, apakah itu di salah satu dari banyak museum NYC (The Metropolitan Museum, Guggenheim, MoMA dan di tempat lain) atau di lembaga-lembaga di bagian lain dunia. Kami, tentu saja, memiliki pendapat kami tentang apa yang membuat nilai itu dan kami menyajikannya di sini dalam daftar lukisan terbaik kami sepanjang masa.

Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, 1503–19

Dilukis antara 1503 dan 1517, potret memikat Da Vinci telah dirundung dua pertanyaan sejak hari itu dibuat: Siapa subjeknya dan mengapa dia tersenyum? Sejumlah teori untuk yang pertama telah disodorkan selama bertahun-tahun: Bahwa dia adalah istri pedagang Florentine Francesco di Bartolomeo del Giocondo (ergo, judul alternatif karya itu, La Gioconda); bahwa dia adalah ibu Leonardo, Caterina, yang muncul dari ingatan masa kecil Leonardo tentang dirinya; dan akhirnya, itu adalah potret diri di tarik.

Adapun senyum terkenal itu, kualitasnya yang misterius telah membuat orang gila selama berabad-abad. Apa pun alasannya, penampilan Mona Lisa yang tenang pra-alamiah sejalan dengan lanskap ideal di belakangnya, yang menghilang ke kejauhan melalui penggunaan perspektif atmosfer oleh Leonardo.

Johannes Vermeer, Gadis dengan Anting Mutiara, 1665

Studi Johannes Vermeer tahun 1665 tentang seorang wanita muda sangat nyata dan mengejutkan modern, hampir seolah-olah itu adalah sebuah foto. Ini menjadi perdebatan apakah Vermeer menggunakan perangkat pra-fotografi yang disebut kamera obscura untuk membuat gambar.

Mengesampingkan itu, pengasuhnya tidak diketahui, meskipun ada spekulasi bahwa dia mungkin adalah pelayan Vermeer. Dia menggambarkan dia melihat dari balik bahunya, mengunci matanya dengan penonton seolah-olah mencoba untuk membangun hubungan intim selama berabad-abad.

Secara teknis, Girl bukanlah potret, melainkan contoh dari genre Belanda yang disebut tronie sebuah headshot lebih berarti sebagai fitur wajah yang masih hidup daripada sebagai upaya untuk menangkap kemiripan.

Sandro Botticelli, 1484–1486

Botticelli’s The Birth of Venus adalah yang pertama full-length, non-religius telanjang sejak jaman dahulu, dan dibuat untuk Lorenzo de Medici. Diklaim bahwa sosok Dewi Cinta dimodelkan setelah Simonetta Cattaneo Vespucci, yang bantuannya diduga dibagikan oleh Lorenzo dan adiknya, Giuliano.

Venus terlihat terhempas ke darat di atas cangkang kerang raksasa oleh dewa angin Zephyrus dan Aura saat personifikasi musim semi menunggu di darat dengan jubah. Tidak mengherankan, Venus menarik kemarahan Savonarola, biarawan Dominika yang memimpin tindakan keras fundamentalis terhadap selera sekuler Florentines.

Kampanyenya termasuk “Api Unggun Kesombongan” yang terkenal pada tahun 1497, di mana benda-benda “tidak sopan” kosmetik, karya seni, buku dibakar di atas tumpukan kayu. Kelahiran Venusitu sendiri dijadwalkan untuk dibakar, tetapi entah bagaimana lolos dari kehancuran. Botticelli, bagaimanapun, sangat ketakutan dengan kejadian itu sehingga dia berhenti melukis untuk sementara waktu.

Vincent van Gogh, Malam Berbintang, 1889

Lukisan Vincent Van Gogh yang paling populer, The Starry Night, diciptakan oleh Van Gogh di rumah sakit jiwa di Saint-Rémy, di mana dia berkomitmen pada tahun 1889. Memang, The Starry Night tampaknya mencerminkan keadaan pikirannya yang bergejolak saat itu, seperti langit malam menjadi hidup dengan pusaran dan bola tanda kuas yang diterapkan secara hingar-bingar yang muncul dari yin dan yang dari iblis pribadinya dan kekaguman terhadap alam.

James Abbott McNeill Whistler, Pengaturan dalam Abu-abu dan Hitam No. 1, 1871

Whistler’s Mother, atau Arrangement in Grey and Black No. 1, sebagaimana judulnya sebenarnya, berbicara tentang ambisi seniman untuk mengejar seni demi seni. James Abbott McNeill Whistler melukis karya itu di studionya di London pada tahun 1871, dan di dalamnya, formalitas potret menjadi sebuah esai dalam bentuk.

Ibu Whistler, Anna, digambarkan sebagai salah satu dari beberapa elemen yang terkunci dalam susunan sudut siku-siku. Ekspresinya yang keras cocok dengan kekakuan komposisi, dan agak ironis untuk dicatat bahwa terlepas dari niat formalis Whistler, lukisan itu menjadi simbol keibuan.…

Seni Lukisan Goya Dengan Hasil Karya Lukisan Hitam

Seni Lukisan Goya Dengan Hasil Karya Lukisan Hitam – Dalam keseluruhan Sejarah Seni, hanya sedikit tokoh yang kompleks dan layak untuk dipelajari seperti seniman brilian yang lahir pada tahun 1746 di Fuendetodos, Spanyol.

Kreatif dan tak tergoyahkan, seorang pelukis tanpa saingan sepanjang hidupnya, Goya adalah pelukis istana dan pelukis rakyat.

Dia adalah seorang pelukis religius dan pelukis mistik.

Dia adalah penulis keindahan dan erotisme ‘Maja desnuda’ dan pencipta horor eksplisit ‘The Third of May, 1808’.

Dia adalah seorang pelukis minyak, seorang pelukis fresco, seorang pembuat sketsa dan seorang pengukir.

Dan dia tidak pernah menghentikan metamorfosisnya.

Seni Lukisan Goya Dengan Hasil Karya Lukisan Hitam

Karena semua ini, sebagian besar biografi yang mencoba untuk menutupi seluruh karyanya sering jatuh dalam keragu-raguan dan anggapan yang tidak beralasan.

Tapi itu bukan tujuan dari esai singkat ini, di mana kita akan mencoba untuk berjalan agak mustahil melalui ” Quinta del Sordo” (Rumah Orang Tuli) yang sekarang hancur, rumah asli dari “lukisan hitam”, sekarang dipamerkan di Museum Prado, Madrid.

Kami hanya tahu sedikit tentang Quinta ini dan alasan yang membuat Goya “menghiasnya” dengan lukisan-lukisan aneh setelah mengakuisisi rumah tersebut pada tahun 1819.

Quinta, yang terletak di pinggiran Madrid, adalah sebuah bangunan dua lantai berukuran sedang.

Goya menambahkan sayap baru untuk dapur dan ruangan lainnya.

Rumah itu memiliki dua kamar utama berukuran 9 x 4,5meter yang masing-masing terletak di lantai yang berbeda.

Kita juga tahu bahwa kamar-kamar ini telah didekorasi dengan motif pedesaan sebelum Goya pindah ke rumah tersebut.

Jadi, mengapa Goya memutuskan untuk mengubah dekorasi yang kebanyakan berwarna-warni ini untuk kengerian “lukisan hitam” yang gelisah?

Apakah keputusasaan setelah Perang Saudara Spanyol tahun 1820-23? Tidak mungkin.

Lukisan-lukisan ini dimulai satu dekade setelah berakhirnya Perang, dan Goya telah membuat “manifesto anti-perang” khususnya dengan “Bencana Perang”.

Apakah alasannya pada saat itu hampir tuli total? Atau mungkin penyakit serius yang dideritanya pada tahun 1819?

Alasan keputusan ini masih belum diketahui. Apa yang kita ketahui meskipun kerusakan yang diderita oleh karya-karya saat memindahkan lukisan-lukisan ke kanvas adalah hasilnya.

Pertama-tama, kita harus mengatakan bahwa -terlepas dari ketenaran gelap lukisan-lukisan ini tidak semuanya suram atau mengerikan.

Memang benar bahwa hari ini hampir semua orang mengasosiasikan “lukisan hitam” dengan Saturnus yang menakutkan melahap putranya atau dengan Duel kejam dengan gada, tetapi di set kita dapat menemukan potongan-potongan tanpa sisa-sisa horor, seperti Dua wanita dan seorang pria, atau bahkan sosok Leocadia yang cantik, anggun dan tenteram meski berbaju duka.

Selain itu, kamar-kamar, dengan banyak jendela terbuka ke pedesaan Madrilenian, tentu harus menerima sinar matahari dalam jumlah besar, jadi Quinta pasti jauh dari tempat gelap yang tampaknya disarankan oleh beberapa sejarawan.

Lantai bawah: “Berziarah ke San Isidro”. “Saturnus melahap putranya” dan “Judith dan Holofernes” di latar belakang “Ziarah ke San Isidro”, 140 x 438 cm.

Kehadiran jendela-jendela ini di dinding mengatur distribusi lukisan dinding di kamar.

Sedangkan aula lantai dasar memiliki dua jendela di masing-masing dindingnya yang besar, aula lantai atas hanya memiliki satu.

Ini memungkinkan Goya untuk membuat komposisi besar di antara jendela-jendela di ruang bawah; sedangkan di ruang atas ia dibatasi untuk membuat hanya dua lukisan dinding yang lebih kecil di setiap sisi jendela.

Di dinding yang lebih kecil, di setiap sisi pintu atau jendela, dan bahkan di atasnya; Goya melukis komposisi yang lebih kecil yang entah bagaimana terkait dengan saudara perempuannya yang lebih besar.

Dua kelompok besar lukisan mendominasi ruang bawah.

Pertama, Ziarah ke San Isidro muncul bersama Judith dan Holofernes dan Dua biarawan.

Karnaval wajah-wajah tersiksa itu adalah Sebuah ziarah ke San Isidro telah ditafsirkan dalam dua cara yang berbeda: pertama, seperti visi memutar dari perayaan Madrilenian populer yang dulu berlangsung beberapa mil dari Quinta.

Tetapi ada juga teori yang menghubungkannya dengan perayaan Romawi Saturnalia, yang didedikasikan untuk dewa Romawi Saturnus.

Dua biksu dapat dikaitkan dengan kehidupan malang mereka yang mendapati diri mereka diasingkan dan miskin setelah Perang.

Di sisi lain Judith dan Holofernesmembuat referensi ke cerita Alkitab yang cukup terkenal.

Uniknya, lukisan ini entah bagaimana berhubungan dengan “Saturnus melahap putranya”, di mana tubuh lain yang dimutilasi ditampilkan.

Lantai bawah: “Sabat Penyihir”, “Leocadia”, “Dua Biksu” dan “Laki-laki tua dan wanita tua” di latar belakang ·· Lantai bawah: “Sebuah ziarah ke San Isidro”, bersama dengan “Leocadia” yang disebutkan sebelumnya, “Dua Biksu” dan “Orang tua dan wanita tua”

Di depan lukisan-lukisan ini kita akan menemukan Kambing Hebat (Sabat Penyihir).

Ini mungkin lukisan paling penting dari seluruh Quinta, meskipun ketika lukisan itu dipindahkan ke kanvas, lukisan itu kehilangan sebagian besar di ujung kanannya (yang menyebabkan asimetri aneh antara gadis muda yang duduk dan kambing jantan besar).

Lukisan itu terlihat tidak bisa dibilang menakutkan, tapi mengganggu bahkan agak parodi.

Cukup menarik untuk membandingkan karya ini dengan salah satu subjek yang sama yang dilukis Goya pada tahun 1798 (Madrid, Museum Lazaro Galdiano), di mana sosok kambing jantan, yang menatap langsung ke pengamat, adalah protagonis unik dari karya tersebut.

komposisi, yang tidak terjadi di sini.

Lukisan dinding ini diapit oleh “Saturnus melahap putranya sendiri”, mungkin yang paling terkenal dari “lukisan hitam”, masih digunakan saat ini sebagai simbol kengerian dan kegilaan.

“Leocadia”, 147 x 132 cm. ·· “Ziarah ke Air Mancur San Isidro”. 127x166cm.

Sangat mungkin bahwa Goya mengetahui versi Saturnus yang dilukis oleh Rubens pada tahun 1636 (Madrid, Museum Prado) tetapi ia memutuskan untuk memisahkan lukisannya dari simbol atau interpretasi mitologi apa pun dan hanya fokus pada ekspresi wajah, yang mencerminkan kekejaman tindakan.

“Cicipan ekspresionis” ini saat ini adalah salah satu lukisan Museum Prado yang paling populer dan langsung dikenali.

Berlawanan dengan kengerian Saturnus yang eksplisit, kita akan menemukan ketenangan Leocadia (juga disebut A Manola: Doña Leocadia Zorrilla), cantik dan menjaga ketenangan terlepas dari hubungan yang lebih dari mungkin dengan orang yang meninggal yang beristirahat di makam di sampingnya.

Ada kemungkinan bahwa di antara lukisan ini dan “Dua biksu”, dan ditempatkan di atas pintu, ada pria tua dan wanita tua yang sedang makan sup.

Lantai atas: “The Fates”, “Duel with gada” Lantai atas: perspektif umum dari pintu masuk.
Distribusinya sangat berbeda dari ruang bawah, karena hanya satu jendela di setiap dinding besar.

Di ruang atas kita bisa menemukan tujuh lukisan.

Pertama-tama, di sebelah pintu, kesepian dan ditinggalkan, kami menemukan Anjing.

Ini mungkin lukisan paling misterius dari seluruh Quinta.

Ini menggambarkan seekor anjing, benar-benar tersembunyi kecuali kepalanya, dengan latar belakang oker.

Kita tidak bisa tahu lebih banyak tentang protagonis atau arti dari lukisan dinding ini.

Dimana anjing itu? Apa yang dia lihat? Apakah dia tenggelam, atau, sebaliknya, dia menjulurkan kepalanya, dengan hati-hati, takut akan sesuatu yang tidak dapat kita lihat?

Ada banyak interpretasi dari lukisan ini, mengaitkan anjing dengan sosok neraka yang membimbing jiwa-jiwa yang mati ke Neraka, dan menyarankannya sebagai simbol pengabaian dan pengabaian.

Di tembok besar yang terletak di sebelah lukisan ini juga ada dua lukisan dinding besar: Penglihatan yang fantastis (Asmodea) dan Prosesi Kantor Suci.

Asmodeo adalah iblis pembunuh mitologis yang diwakili Goya kami mengabaikan alasannya sebagai seorang wanita yang menutupi sebagian wajahnya, sambil melayang di langit membawa seorang pria yang ketakutan.

“Procession of the Holy Office”, di sisi lain adalah kritik yang berani dan ironis terhadap Pengadilan yang terkenal ini.

Di depan dua lukisan besar ini ada dua lukisan lainnya: Duel kejam dengan gada, dan The Fates yang penuh teka-teki.

Yang pertama mungkin yang paling brutal dari semua Lukisan Hitam, bersama dengan Saturnus, tetapi di sini kita tidak melihat adegan fantastis atau mitologis: duel ini “nyata”, antara dua tokoh anonim, dan itu hanya akan diselesaikan oleh kematian yang tak terhindarkan dari salah satu dari mereka.

Karya ini telah ditafsirkan sebagai alegori Perang Saudara.

Berbeda dengan dua sosok ini secara tragis tertambat ke tanah sosok The Fates melayang di udara, seperti halnya di Asmodea, ditempatkan bukan secara kebetulan hanya berseberangan dengan lukisan ini.

Di salah satu dinding ruang atas yang lebih kecil, Goya membuat dua lukisan vertikal, berukuran lebih kecil dari yang sebelumnya:

Membacadan Wanita tertawa. Mereka jelas kurang menakutkan, meskipun secara kromatis lebih gelap, daripada lukisan pendamping mereka.

Pada tahun 1824, Goya meninggalkan “Quinta del Sordo” dan pindah ke Bordeaux, Prancis, bosan dengan masyarakat dan kenyataan Spanyol.

“Siapa yang tidak bisa memadamkan api di rumahnya harus menjauh darinya”, tulisnya sesaat sebelum pindah. The Quinta dijual dan melewati beragam tangan, menempatkan dalam bahaya integritas lukisan.

Tetapi pada tahun 1874, pemilik Quinta saat itu, Baron d’Erlanger, memerintahkan kurator Museum Prado, Salvador Martinez Cubells, untuk memindahkan lukisan dinding ke kanvas.

Lukisan-lukisan itu dipamerkan di Pameran Universal Paris pada tahun 1878, dan kemudian disumbangkan ke Museum Prado, di mana mereka dipamerkan saat ini.…

Seni Lukis Tertua di Dunia Adalah Grafiti Cat Semprot

Seni Lukis Tertua di Dunia Adalah Grafiti Cat Semprot – Lukisan-lukisan pertama yang pernah dibuat oleh tangan manusia, penelitian baru menunjukkan, adalah garis besar dari tangan manusia. Dan mereka diciptakan bukan di Spanyol atau Prancis, tetapi di Indonesia.

Enam puluh tahun yang lalu, di pulau Sulawesi, Indonesia, sekelompok arkeolog menemukan serangkaian lukisan yang tersebar di 100 gua batu kapur. Gambar-gambar itu yang dibuat, pada saat penemuannya, dalam sepias dari berbagai saturasi menampilkan garis-garis seperti stensil dari tangan manusia dan hewan berkaki tongkat yang sedang bergerak; mereka dalam penampilan, setidaknya, sangat mirip dengan lukisan gua yang telah ditemukan, dan menjadi terkenal, di Spanyol dan Prancis.

Lukisan-lukisan itu proto-grafiti. Itu adalah versi awal dari jendela mobil di Titanic. Mereka adalah manusia, membuat tanda mereka.

Mereka juga, jelas, sudah tua. Tapi mereka tidak, dianggap, sangat tua. Mereka tidak mungkin diciptakan, menurut penemunya, lebih dari 10.000 tahun yang lalu. Seandainya mereka lebih tua, semua orang berasumsi, mereka akan memudar di udara tropis yang lembab.

Tapi Anda tahu apa yang mereka katakan tentang asumsi. Menurut sebuah makalah yang diterbitkan hari ini di jurnal Nature, lukisan-lukisan itu, yang terukir di gua-gua itu, jauh lebih tua dari yang diperkirakan para ilmuwan pertama.

Puluhan ribu tahun lebih tua, sebenarnya. Begitu tua sehingga mereka sekarang dianggap sebagai spesimen seni tertua yang diketahui di dunia. Jika seni adalah salah satu hal yang membuat kita menjadi manusia maka sepertinya kita telah menjadi manusia lebih lama dari yang kita sadari.

Bahwa kita membutuhkan waktu begitu lama untuk mewujudkannya, bagaimanapun, adalah pengingat dari beberapa hal lain yang menjadikan kita manusia: keterbatasan teknologi, keterbatasan sumber daya, miopia budaya.

Sudah lama diasumsikan bahwa lukisan manusia tertua dibuat di Eropa, di gua-gua Prancis dan Spanyol. Itu asumsi yang memiliki implikasi politik dan juga ilmiah. “Yang benar adalah, tidak ada yang benar-benar mencoba untuk menentukan tanggalnya,” Matt Tocheri dari Smithsonian mengatakan kepada NPR tentang penemuan Sulawesi.

Itu bukan karena kami kekurangan alat untuk berkencan. Sementara cat Sulawesi itu sendiri tidak dapat ditentukan secara akurat, apa yang telah lama dapat kami lakukan adalah memperkirakan usia gundukan batu kalsium karbonat, lebih umum dan lebih dikenal sebagai “popcorn gua” yang sekarang menutupinya.

Penanggalan uranium-thorium mengambil keuntungan dari tingkat peluruhan uranium saat berubah menjadi thorium untuk memperkirakan, dengan tingkat akurasi yang tinggi, usia batuan yang dimaksud. Ini memungkinkan para ilmuwan untuk menentukan usia-usia minimum untuk lukisan yang menutupi dinding gua.

Dengan menggunakan metode itu, Griffith University profesor Maxime Aubert dan timnya dapat menentukan bahwa para lukisan Sulawesi yang, minimal, berusia 39.900 tahun. Yang membuat usia minimum mereka setidaknya 2.000 tahun lebih tua dari usia minimum seni gua Eropa tertua. (Sementara lukisan-lukisan itu sangat mirip isinya tangan manusia, hewan yang terhuyung-huyung pada pelengkap seperti tongkat mereka juga sangat berbeda dalam gaya.

Gambar-gambar Indonesia “terlihat ‘bergaris-y’, hampir seperti sapuan kuas,” Alistair Pike, arkeolog yang mengidentifikasi apa yang dianggap berharga sebagai seni gua tertua di dunia, di Eropa, mengatakan kepada Nature. Gambar Eropa awal, di sisi lain, “terlihat dioleskan, hampir seperti cat jari.”)

Semua itu menjadikan penanggalan Sulawesi bukan hanya penemuan ilmiah, dan bukan hanya wahyu budaya, tetapi juga sesuatu yang bersifat politis. “Ini memungkinkan kita untuk menjauh dari pandangan bahwa Eropa itu istimewa,” kata Aubert kepada Nature.

“Ada beberapa gagasan bahwa orang Eropa awal lebih sadar akan diri mereka sendiri dan lingkungan mereka.” Penemuan proto-art di Indonesia garis-garis tangan manusia tak dikenal yang berbintik-bintik dan beku meniadakan gagasan itu, secara ilmiah. “Sekarang,” kata Aubert, “kita dapat mengatakan bahwa itu tidak benar.”…

Bagaimana Ledakan Seni Kontemporer Merusak Ekonomi Museum

Bagaimana Ledakan Seni Kontemporer Merusak Ekonomi Museum – Orang Amerika jelas menyukai museum mereka, terutama di bulan-bulan musim panas. Faktanya, kehadiran museum diperkirakan sekitar 850 juta kunjungan per tahun, jauh lebih banyak dari gabungan semua olahraga liga utama dan taman hiburan (sekitar 483 juta pada 2011).

Itu sebagian karena mereka memiliki banyak pilihan. Jika Anda memasukkan kebun binatang, perkumpulan sejarah, kebun raya, dan situs sejarah atau budaya serupa, jumlah museum di AS melampaui 35.000 pada tahun 2014, lebih dari dua kali lipat jumlah pada tahun 1990-an.

Museum seni, yang menurut saya memberikan kontribusi paling penting bagi budaya kontemporer, berjumlah sekitar 1.575 dan juga sangat populer. Salah satu yang paling terkenal, Museum Seni Metropolitan New York (“The Met”), misalnya, mencatat rekor 6,5 juta pengunjung pada tahun 2015, menjadikannya museum paling populer ketiga di dunia.

Tapi rekor kehadiran tidak selalu berarti rekor pendapatan. Bulan lalu, Met mengatakan pihaknya memberhentikan lebih dari 100 karyawannya karena mencoba menghapus defisit anggaran US$10 juta, hanya beberapa bulan setelah mengumumkan pembekuan perekrutan dan pembelian sukarela.

Sementara itu, salah satu saingannya, Museum of Modern Art (MoMA), dibanjiri uang tunai dan baru saja menerima $100 juta lagi untuk perluasan dan renovasi. Namun hanya sekitar tiga juta orang yang mampir untuk melihat seninya pada tahun 2015, menempati peringkat ke-15 di dunia.

Apa yang menjelaskan lintasan yang berbeda? Mengapa beberapa museum berkembang sementara yang lain gagal?

Akhir-akhir ini saya telah menjelajahi ekonomi baru budaya dan pasar seni untuk sebuah buku yang akan diterbitkan pada tahun 2017 berjudul “Ekonomi Seni Amerika: Seni, Seniman dan Lembaga Pasar.” Penelitian saya membuat saya percaya bahwa ada tiga alasan mengapa museum yang berbeda memiliki nasib yang berbeda: mode, demografi, dan miliarder.

Kisah dua museum

MoMA dan Met adalah dua museum teratas di AS, menjadikannya ilustrasi yang sangat baik dari beberapa masalah pembiayaan yang dihadapi museum saat ini.

The Met, salah satu museum terlengkap di dunia kecuali kelangkaan koleksi seni kontemporer modern, memiliki anggaran tahunan sekitar $300 juta. Museum, bagaimanapun, saat ini menghadapi defisit sekitar $ 10 juta yang akan membengkak menjadi $ 40 juta jika tidak mulai memberhentikan personel. Ini juga menahan perluasan ruang pameran seni kontemporer modern.

Persaingan untuk mendapatkan patron yang rela merogoh kocek dalam jumlah besar semakin sengit di bidang seni rupa kontemporer. Selain MoMA, Met harus bersaing secara lokal dengan Whitney (yang baru saja membuka lokasi pusat kota baru) dan Guggenheim dan dengan lusinan museum di kota-kota besar di seluruh AS, seperti The Broad, museum kontemporer baru di pusat kota Los Angeles.

Mereka juga harus bersaing untuk memiliki mahakarya dan pameran lain yang menarik pengunjung paling banyak dan pada gilirannya menghasilkan lebih banyak donasi.

Sementara itu, MoMA mengalami masalah uniknya sendiri yang menggambarkan kelebihan dan kekurangan dari kesuksesannya. Rencana perluasan $400 juta-plus MoMA (dibantu oleh hadiah $100 juta dari miliarder David Geffen) akan berarti bagian-bagian tertentu dari museum akan ditutup selama proyek, yang menyebabkan berkurangnya kehadiran dan pendapatan.

MoMA telah menawarkan rencana pembelian sukarela untuk beberapa karyawan yang tidak akan dibutuhkan. Namun, dengan dana abadi mendekati $ 1 miliar, itu dalam kondisi yang cukup baik.

Tantangan saat ini dari dua museum besar ini akan teratasi sendiri seiring waktu, tetapi masalah mendasar yang diangkat menggarisbawahi beberapa masalah ekonomi kritis yang dihadapi banyak museum seni di AS saat ini.

Mengejar setelah mengubah selera

Pertama, yang mendasari tantangan keuangan Met yang dijelaskan di atas adalah masalah abadi semua museum: kebijakan akuisisi.

Direktur Met baru-baru ini mengumpulkan harta karun, menjadikannya benar-benar museum yang sangat luas dan berskala internasional dengan pengecualian penting: seni modern dan kontemporer.

Almarhum Thomas Hoving fokus pada gertakan Renaissance dan Old Masters, seperti “Potret Juan de Pareja” Velázquez dan Kuil Dendur Mesir. Dia juga mengembangkan konsep yang sekarang populer dari pameran “blockbuster” keliling yang membebani pengunjung museum dengan biaya tambahan.

Penggantinya, Phillipe de Montebello, juga tidak banyak menambah koleksi modern museum. Argumennya, tampaknya, adalah bahwa museum seperti MoMA sudah menyediakan karya-karya seperti itu dalam koleksi mereka dan bahwa akuisisi seni kontemporer oleh seniman yang masih hidup (beberapa di pertengahan karir) bermasalah dan berisiko.

Meskipun koleksi kontemporer Met agak berkembang dalam beberapa tahun terakhir, koleksi tersebut tidak dapat dengan cepat menyesuaikan diri dengan selera pengunjung museum yang terus berubah, yang semakin menyukai seni modern dan kontemporer. Ini telah menempatkannya pada kerugian kompetitif.

Poin ekonomi di sini adalah jika museum seperti Met tidak dapat mengikuti perubahan selera pelanggannya, pendapatan kemungkinan akan turun. Dan pada saat itu mungkin mengenali ini, sudah terlambat untuk berbuat banyak karena biaya untuk memperoleh seni yang diminati sangat tinggi.

Karena museum memperoleh baik sebagai sumbangan atau pembelian, dengan tidak adanya hadiah yang murah hati, satu-satunya alternatif adalah memperoleh koleksi karya yang “berbeda” dari lembaga lain atau kolektor pribadi.

Alternatif itu terbuka untuk beberapa museum di Amerika Serikat. Alasannya mengarah ke masalah kritis kedua perubahan distribusi pendapatan AS dan dunia serta pengaruhnya terhadap keuangan dan operasi museum.

Gelembung miliarder

Kita hidup dalam periode booming seni kontemporer (beberapa orang akan mengatakan itu adalah “gelembung”).

Jumlah lelang, pameran seni, dan galeri yang berhubungan dengan genre tersebut telah berkembang pesat untuk mengakomodasi pasar yang sedang berkembang ini. Karya-karya master seni kontemporer yang tak terbantahkan, seniman Jerman Gerhard Richter, telah menghasilkan penjualan $1,2 miliar dalam beberapa tahun terakhir.

Di dunia dengan sekitar 1.800 miliarder, hanya dibutuhkan sedikit relatif untuk mendorong harga seni kelas atas ke tingkat astronomi. Resesi, penurunan pasar saham, dan gejolak dalam urusan internasional jarang meredam pertarungan di antara para kolektor ini untuk mendapatkan yang terbaik dari yang terbaik, terutama dalam seni kontemporer.

Selain nama-nama yang dibanggakan seperti Jackson Pollock, Mark Rothko dan Barnett Newman, artis-artis muda “panas” yang lahir setelah tahun 1955 mendapatkan harga lelang tertinggi. Dari Juli 2014 hingga Juni 2015, lelang “harga palu” oleh mendiang Jean-Michel Basquiat, Christopher Wool, dan Jeff Koons masing-masing mencapai $33 juta, $26,5 juta, dan $23 juta, untuk karya seni tunggal.

Harga yang melonjak ini berarti museum tidak bisa mengikuti dan biasanya harus bergantung pada sumbangan untuk mengumpulkan portofolio karya terbaik, atau harganya akan habis.

Dan para miliarder sendiri semakin membangun museum pribadi mereka sendiri, semakin menjauhkan kemampuan museum publik untuk mendapatkan barang-barang bagus.

Demografi dan resesi

Masalah ketiga yang saling terkait adalah bahwa masalah demografis telah memperburuk masalah keuangan dan operasional museum dengan memberikan tekanan pada sisi pendapatan.

Pengangguran, pensiun dini, dan penuaan populasi di Amerika Serikat semuanya berkontribusi pada peningkatan kehadiran di semua jenis museum. Anda mungkin berpikir itu hanya hal yang baik. Dan dalam banyak hal memang demikian. Tetapi lebih banyak lalu lintas berarti biaya yang lebih tinggi, dan ketika pengunjung tambahan tersebut tidak menghasilkan lebih banyak pendapatan, profitabilitas turun.

Ini karena gerakan lama menuju membuat museum “gratis” dengan meminta individu, pemerintah atau bisnis “mensponsori” biayanya. Tetapi ketika dukungan itu dikurangi dengan biaya anggaran atau alasan lain, museum harus memilih untuk mengambil tab atau kehilangan pelanggan dengan tiba-tiba membebankan biaya.

Ada bukti empiris bahwa kehadiran museum berlawanan dengan siklus. Artinya, ia meningkat ketika pertumbuhan ekonomi melambat, tetapi itu juga ketika “sponsor” itu kemungkinan besar mulai menghilang. Dengan kata lain, rekor angka kehadiran Met terdengar bagus di permukaan tetapi mungkin telah berkontribusi pada kekurangan anggarannya dengan menambah biayanya.

Nilai seni

Museum pasti akan terus ada dan memberikan kepada kita ratusan juta wawasan berharga tentang budaya kita, baik dulu maupun sekarang.

Tetapi mereka harus ada di bawah imperatif prinsip-prinsip ekonomi. Selera akan berubah, distribusi pendapatan akan mengubah ketersediaan seni dan demografi akan bergeser.

Meskipun tidak satu pun dari faktor-faktor ini meniadakan pentingnya museum seni, akan lebih bijaksana bagi pengelolanya untuk mempertimbangkan ekonomi dalam perhitungan mereka.…

10 Lukisan Dengan Konsep Still Life Yang Hebat

10 Lukisan Dengan Konsep Still Life Yang Hebat – Bagaimana kita mendefinisikan lukisan benda mati? Secara akademis, dapat dikatakan bahwa still-life adalah lukisan yang menggambarkan benda-benda mati dari kehidupan sehari-hari, direpresentasikan dalam ruang yang dibatasi oleh pelukisnya.

Tapi tanpa ragu definisi ini terlalu sederhana untuk genre bergambar yang telah memesona para pelukis terhebat, dari awal barok hingga abad ke-21. Dalam esai singkat ini kita akan membuat tinjauan singkat namun intens tentang sejarah benda mati melalui 10 karya mendasar, dari zaman kuno hingga zaman kontemporer.

“Mangkuk transparan dengan buah dan vas” lukisan mural di Pompeii, Italia, abad ke-1M – Sangat sulit untuk menentukan kapan genre still-life lahir. Kita tahu bahwa bahkan orang Mesir kuno menghiasi makam dengan lukisan buah-buahan, sayuran, dan makanan lainnya, yang bertujuan untuk memberi makan jiwa yang telah meninggal di akhirat mereka.

Contoh ini, ditemukan di kota kuno Pompeii, sangat luar biasa karena naturalisme dan kelembutan yang diwakili oleh setiap potongan buah, menggunakan pigmen yang berbeda untuk setiap potongan anggur yang menjadi pusat lukisan. Hal ini juga penting kontras antara mangkuk transparan padat kaca adalah bahan yang sangat dihargai di Roma kuno dan sensasi ketidakstabilan yang disebabkan oleh toples miring.

Sanchez Cotán: “Still Life with Game Fowl, Vegetables and Fruits”, 1602 (Madrid, Prado Museum) dan “Still Life with thistle and wortel” (Museum of Fine Arts, Granada) – Lukisan Spanyol abad ke-17 memiliki jumlah lukisan yang tinggi -pelukis kehidupan, termasuk tokoh-tokoh seperti Luis Meléndez, Juan van der Hamen atau bahkan Francisco de Zurbarán yang hebat.

Namun demikian, tidak satupun dari mereka yang orisinal seperti pelukis Carthusian Juan Sanchez Cotán, unik di antara semuanya karena komposisinya yang tampak sederhana, namun penuh kekuatan dan intensitas, di mana kekosongan, seperti pada lukisan di Granada (versi serupa lainnya sekarang di Philadelphia), memiliki kepentingan mendasar, bahkan bersaing dengan objek gambar.

Abraham van Beyeren (Abraham van Beijeren): “Banquet Still Life”, c.1660 (Los Angeles, County Museum of Art) – Van Beyeren adalah seorang pelukis yang hampir tidak dikenal pada zamannya, tetapi hari ini ia dianggap sebagai tokoh kunci Belanda lukisan benda mati dari abad ke-17, yang mencakup nama-nama seperti Jan Davidsz de Heem atau Frans Snyders.

Lukisan-lukisannya yang masih hidup terutama yang perjamuan adalah ekstravaganza bergambar otentik, sangat kaya akan semua jenis elemen dan detail. Karya yang diilustrasikan di sini adalah salah satu komposisinya yang paling terkenal.

Jean Siméon Chardin: “The Ray (la raie)”, 1728 (Paris, Louvre) – Chardin adalah salah satu master lukisan benda mati di era mana pun, dan “The Ray” adalah salah satu mahakaryanya yang tak terbantahkan.

Karya itu diterbitkan secara luas dan dikagumi oleh tokoh-tokoh penting seperti Diderot yang menyebut Chardin “pesulap hebat”, Marcel Proust dan bahkan Henri Matisse, dua abad kemudian. Unsur yang tidak biasa dalam still life ini adalah dimasukkannya hewan hidup kucing yang menciptakan dinamisme yang aneh dan terselubung dalam komposisi segitiga lukisan itu.

William M. Harnett: “Biola (biola tua)”, 1886 (Washington, Galeri Seni Nasional) – Pelukis Amerika kelahiran Irlandia William Harnett adalah salah satu pelopor lukisan benda mati di Amerika Serikat. “Biola” (alias “biola tua”) adalah salah satu contoh terbaik dari gaya “trompe l’oeil” (gaya “membodohi mata”) di mana elemen yang dilukis dapat disalahartikan sebagai objek fisik nyata.

Bahkan, ketika gambar ini pertama kali dipamerkan, banyak pengunjung yang mencoba menyentuh biola yang tergambar di kanvas, karena percaya bahwa instrumen itu adalah benda fisik yang diletakkan di atas gambar.

Vincent van Gogh: “Bunga Matahari (Vase dengan lima belas bunga matahari)”, 1888 (London, Galeri Seni Nasional) – “Bunga matahari” Van Gogh bukan hanya salah satu subjek favorit seniman (ia melukis tujuh kanvas vas dengan bunga matahari, ditambah tiga karya-karya sebelumnya yang menggambarkan bunga matahari saja), tetapi mereka juga termasuk di antara lukisan paling terkenal yang pernah dibuat.

“Bunga matahari adalah milikku”, kata van Gogh kepada saudaranya Theo. Karya yang diilustrasikan di sini adalah salah satu yang paling terang dari semua seri, dengan spektrum pigmen kuning yang luar biasa.

Salah satu ‘bunga matahari’ karya Van Gogh ini memecahkan rekor lelang untuk sebuah lukisan ketika dijual kepada investor Jepang dengan harga hampir $40 juta pada Maret 1987. Desas-desus baru-baru ini menyatakan bahwa lukisan itu bukan lukisan van Gogh asli, melainkan salinannya oleh Emile Schuffenecker.

Paul Cézanne: “Masih hidup dengan keranjang buah (meja dapur)”, 1880-1890 (Paris, Orsay) – Cézanne bisa dibilang adalah master lukisan benda mati terbesar di era mana pun, dan lukisan yang bersinar ini merupakan salah satu komposisinya yang paling ambisius. Elemen pertama yang kita lihat adalah meja kayu yang sebagian ditutupi selimut putih, dan sembilan buah buah di atasnya.

Anehnya, pir hijau besar di sebelah kanan tidak ditempatkan di atas selimut putih ini, seolah-olah sisiknya tidak memungkinkan untuk ditempatkan bersama dengan potongan-potongan lainnya. Dua toples keramik putih, bersama dengan yang lebih besar di belakangnya, membentuk subkomposisi segitiga tertentu.

Kelompok tokoh ini bisa saja menciptakan kehidupan diam yang luar biasa sendiri, tetapi Cézanne telah memberi kita ilusi yang luar biasa: keranjang buah. Di mana keranjang ini? Ditempatkan dalam posisi yang sangat tidak stabil di sudut kanan atas meja, atau berkat perspektif yang kompleks ada di tanah bersama dengan potongan kayu yang sebagian tergambar di sebelah kanan lukisan? Di sini Cézanne telah menciptakan perspektif ganda untuk melukis sebuah karya sensasional di mana Kubisme mulai muncul.

Tiga lukisan benda mati kubisme: Pablo Picasso: “Still Life with liqueur bottle”, 1909 (New York, MOMA), Georges Braque: “Biolin and candlestick”, 1910 (San Francisco Museum of Modern Art), Juan Gris: “The guitar”, 1918 – Eksperimen Cézanne, seperti karya sebelumnya, adalah prolog dari pelopor paling berpengaruh di abad ke-20: Kubisme.

Dua karya pertama yang diilustrasikan di sini (oleh Picasso dan Braque) adalah dua contoh bagus dari “kubisme analitis” yang dikembangkan setelah karya-karya Cézanne, mereduksi elemen-elemen yang dilukis menjadi bentuk-bentuk geometris sederhana di bawah sudut pandang yang berbeda.

Karya selanjutnya oleh Juan Gris mewakili interpretasi pribadi pelukis tentang “kubisme sintetis” (diprakarsai bertahun-tahun sebelumnya oleh Picasso), melampaui sekadarkolase untuk difokuskan dalam hubungan antara elemen-elemen yang berbeda dari objek realitas yang diwakili.

Tentu saja, sejarah lukisan still life modern tidak lengkap tanpa sosok Giorgio Morandi, maestro Italia yang lukisannya memukau Federico Fellini. Namun demikian, memilih hanya satu karya di antara semua lukisan still life yang diselesaikan oleh Morandi sangat tidak mungkin.

Tom Wesselmann: “Still Life #20”, 1962 (Galeri Seni Albright-Knox) – Lukisan still life Wesselmann yang cerah adalah ikon dari gerakan seni pop. Alih-alih buah dan sayuran yang digunakan oleh pelukis barok dan impresionis, lukisan benda mati karya Wesselmann menggambarkan elemen yang diambil dari kehidupan modern kita sehari-hari.

Juga, still life adalah genre yang dipraktikkan oleh pelukis pop-Art lainnya seperti Roy Lichtenstein dan Andy Warhol, meskipun “kaleng sup Campbell” yang terkenal harus dilihat bukan sebagai lukisan still life murni, karena mereka tidak memiliki hubungan apa pun antara objek dan ruang sekitarnya. Hal serupa dapat dikatakan tentang pastel Wayne Thiebaud yang indah dan berwarna-warni, yang berfokus pada representasi dua dimensi warna atau tekstur.

Ralph Goings: “A-1 Sauce”, 1995 (koleksi pribadi) – Ralph Goings adalah salah satu pelukis fotorealistik paling bersinar dan produktif dalam beberapa tahun terakhir, bersama dengan tokoh-tokoh seperti Richard Estes atau Ed Ruscha.

Sementara lukisan rinci tentang donat, botol, hamburger atau bahkan van yang diparkir selesai dengan realisme yang menakjubkan, elemen-elemen yang tampaknya mati dan tidak manusiawi ini penuh dengan emosi yang tidak dapat dijelaskan tetapi tak tertahankan.…

5 Pelukis yang Terbaik Sepanjang Sejarah Seni

5 Pelukis yang Terbaik Sepanjang Sejarah Seni – Dunia seni telah menyediakan karya-karya menakjubkan selama ribuan tahun. Ketika datang untuk menentukan siapa 5 pelukis terbaik, mungkin ada beberapa kontroversi. Setiap orang akan memiliki pandangan seni yang berbeda dan akan menghargai gaya seniman yang berbeda. Dengan begitu banyak kontributor seni, ada beberapa pilihan bagus untuk menulis esai yang mencakup lukisan dan gaya seniman terkenal.

Ada daftar panjang pelukis terkenal. Sebagai mahasiswa, Anda mungkin menghadapi tantangan untuk menulis esai tentang Leonardo da Vinci atau seniman terkenal lainnya. Jurusan seni, dan bahkan beberapa jurusan sejarah, mungkin harus membuat esai atau dokumen Leonardo da Vinci yang menyoroti pencapaian seniman sejarah lainnya. Di sini, kami melihat 5 artis terbaik sepanjang masa dan memberikan beberapa informasi tentang pencapaian utama mereka.

Seniman dan Pelukis Terbaik

Setiap orang akan memiliki pendapat yang berbeda tentang siapa pelukis terbaik. Selama ratusan tahun, banyak seniman terkenal telah menciptakan mahakarya yang dapat dilihat di museum-museum besar. The museum terbaik di dunia akan memiliki sebuah karya seni dari pelukis besar dan akan mencakup komentar dan berbagai artikel tentang masing-masing bagian.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci mungkin adalah salah satu nama yang paling dikenal di dunia seni. Dia memiliki gaya yang unik dan sering bereksperimen dengan media lukisan yang berbeda. Dia adalah salah satu seniman pertama yang fokus menggunakan model anatomi untuk menyempurnakan ciptaannya. Meskipun ia adalah salah satu seniman paling terkenal sepanjang masa, seorang Vinci hanya memiliki portofolio kecil yang berisi 17 karya. Termasuk lukisan-lukisan populer, Perjamuan Terakhir dan Mona Lisa.

Selain seni, da Vinci memiliki ketertarikan pada alam, fisika, anatomi, dan mekanika. Karena minatnya yang besar, hanya ada beberapa lukisan penting yang diselesaikan. Dia menghabiskan banyak waktu untuk menguji berbagai hukum ilmiah dan menulis tentang pengamatan yang berbeda saat membedah tubuh manusia dan hewan. Buku catatan yang berisi tulisan dan gambar pensil ini sekarang menjadi bagian dari koleksi museum.

Michelangelo

Salah satu seniman terbesar yang pernah ada adalah Michelangelo. Dia menikmati kesuksesan besar selama hidupnya dan terus menjadi pelukis dan pematung yang disegani. Dia telah membentuk dunia seni modern, dan jutaan orang mengunjungi galeri dan museum di seluruh dunia untuk melihat karya-karyanya. Dari patung David yang luar biasa hingga lukisan Langit-Langit Kapel Sistina, Michelangelo tetap menjadi salah satu seniman paling ikonik.

Dijuluki Yang Ilahi, seniman ini menciptakan karya yang telah dinikmati selama berabad-abad. Selama hidupnya, sebagian besar seniman tidak menikmati keuntungan uang dari menciptakan lukisan. Namun, artis ini adalah salah satu yang pertama menikmati kekayaan, dan dia juga yang pertama memiliki biografi yang ditulis saat masih hidup.

Lukisan pertama yang diketahui oleh seniman ini adalah The Torment of Saint Anthony, diyakini selesai pada usia 12 tahun. Dino Tondo adalah lukisan populer lainnya yang tetap dalam bingkai aslinya. Ini adalah satu-satunya lukisan yang bertahan dan digantung di Galleria Degli Uffizi.

Pablo Picasso

Picasso mungkin salah satu nama yang paling dikenal di industri seni. Dia adalah seorang pelukis aktif sampai dia meninggal pada tahun 1973, dan dia menyelesaikan lukisan pertamanya pada usia muda 9 tahun! Dia menghadiri Sekolah Seni Rupa di Spanyol pada usia 13 tahun, dan dari sana, dia terus membuat dunia kagum dengan bakatnya. Sepanjang hidupnya, Picasso menciptakan lebih dari 13.500 desain dan lukisan, jauh lebih banyak daripada seniman lainnya.

Picasso tidak hanya seorang pelukis yang sukses, tetapi dia juga seorang pematung, perancang panggung, dan ahli keramik yang disegani. Beberapa lukisan yang paling terkenal termasuk The Old Guitarist, The Weeping Woman, dan Girl Before a Mirror. Patung-patungnya juga dapat dilihat di museum di seluruh dunia dan termasuk She Goat, Man with a Lamb, Bull’s Head, dan Head of a Woman.

Rembrandt

Penikmat seni pasti tidak asing lagi dengan banyak karya Rembrandt. Dikenal sebagai Master Belanda, ia melukis pemandangan taman, makhluk mitologis, dan banyak lagi. Dengan penggunaan cahaya, ia membuat karyanya menonjol dari seniman lain di abad ke – 17, dan ini adalah salah satu fitur yang membuatnya menjadi salah satu seniman yang kita cintai saat ini.

Rembrandt mulai melukis berbagai potret di awal karirnya, dan lebih dari sepersepuluh karya yang sudah selesai termasuk wajahnya sendiri. Sepanjang karir yang panjang, Rembrandt mengembangkan gaya baru yang berfokus pada cahaya dan ruang. Diyakini bahwa Night Watch, sebuah lukisan dari tahun 1640, adalah titik balik utama dalam perkembangan seninya.

Rembrandt mungkin telah meninggal miskin dan karyanya sangat disalahpahami, tetapi ia kemudian dianggap sebagai pelopor gerakan Romantis utama dan sekarang dianggap sebagai tokoh terkemuka di dunia seni saat ini.

Vincent Van Gogh

Van Gogh dianggap sebagai salah satu seniman paling berpengaruh yang pernah ada. Meskipun ia tidak mencapai banyak kesuksesan selama hidupnya, karyanya sekarang dikagumi oleh jutaan orang dan ditampilkan di banyak museum. Baru pada awal abad ke – 20 Vincent Van Gogh mulai diakui sebagai seniman yang ahli. Lukisan-lukisannya penuh dengan warna-warna berani, dan ia menggunakan sapuan dramatis untuk menciptakan karya-karya menakjubkan seperti Starry Night, karyanya yang paling berpengaruh.

Van Gogh menghasilkan karya terbaiknya dalam kurun waktu tiga tahun. Dengan karir seni yang berlangsung hanya satu dekade, ia menciptakan dan menjual lebih dari 850 lukisan. Satu abad setelah Potret Dr. Gatchet dilukis, lukisan itu terjual di pelelangan dengan harga $82,5 juta yang menakjubkan! Itu tetap menjadi salah satu harga tertinggi yang pernah dibayar untuk sebuah karya seni.

Van Gogh memiliki masa lalu yang menarik dan berada di rumah sakit jiwa atau gangguan bipolar dan alkoholisme. Dia tinggal di rumah sakit selama satu tahun dan melukis lebih dari 100 karya, termasuk The Starry Night dan Iris. Diyakini bahwa Van Gogh meninggal karena bunuh diri, menembak dirinya sendiri saat melukis di Prancis. Sama seperti banyak cerita yang saling bertentangan tentang kehilangan telinganya, cara kematiannya juga sesuatu yang tidak pernah terbukti.…

Melukis Kota Dengan Sejarah Pemandangan Kota

Melukis Kota Dengan Sejarah Pemandangan Kota – Setiap pecinta seni modern atau kontemporer akan menyadari bahwa lanskap perkotaan adalah subjek yang cukup populer dalam seni modern, dari pandangan impresionistis Paris oleh Camille Pissarro atau Claude Monet hingga Real Madrid dari Antonio Lopez, melalui fotorealistik New York dari Richard Estes, atau bahkan lanskap abstrak karya Willem de Kooning.

Tapi, kapan tradisi ini dimulai? Siapa yang menjadi protagonis utamanya? Artikel ini mengusulkan perjalanan melalui sejarah lukisan pemandangan kota, dari dunia kuno hingga awal abad ke-21.

Dunia Kuno

Sama seperti tidak ada konsensus serius tentang tanggal pasti kelahiran kota pertama (umumnya, yang dianggap sebagai Ur atau kota Mesopotamia lainnya, tetapi atalhöyük, di Anatolia selatan juga dapat mengklaim gelar tersebut), kami tidak dapat menetapkan secara pasti tanggal lahir untuk lukisan pemandangan kota.

Di Akrotiri, di pulau Santorini, Yunani, telah ditemukan lukisan fresco yang penuh teka-teki (dikenal sebagai “Fresco prosesi kapal” atau “flotilla fresco) yang mewakili perjalanan perahu antara dua kota berbenteng, yang bagaimanapun juga bukan protagonis dari komposisi.

Hal serupa terjadi di “City Fresco”, pemandangan udara kota pesisir (nyata atau imajinasi) yang ditemukan pada tahun 1997 di Baths of Trajan, Roma (lihat gambar); yang dapat dianggap sebagai lanskap kota lengkap pertama dalam sejarah seni lukis. Di Stabiae, dekat Pompeii, beberapa lukisan dinding Romawi yang sebagian menggambarkan kota pesisir telah ditemukan.

Para pionir: dari Trecento hingga High Renaissance.

Selama Abad Pertengahan, representasi parsial kota dapat ditemukan sebagai latar belakang dalam banyak manuskrip yang diterangi, tanpa pernah mencapai peran khusus dalam komposisi.

Pada akhir abad ke-13 dan awal abad ke-14, seni lukis Barat mulai bangkit kembali. Berkat Duccio da Buonisegna, Cimabue, dan, di atas segalanya, Giotto di Bondone, lukisan Eropa “terbebas” dari tradisi Bizantium yang kaku, memperbaharui jiwanya dan mengeksplorasi cara-cara baru.

Ambrogio Lorenzetti (c.1290-1348) melukis pada tahun 1335 lukisan dinding yang dikenal sebagai “Kota di tepi Laut” (Pinacoteca, Siena), umumnya dianggap sebagai lanskap kota sejati pertama dalam sejarah Seni Barat.

Tetapi yang lebih luar biasa adalah “Alegori Pemerintahan yang Baik” (c.1338-40, Palazzo Publico, Siena) yang dengan banyak lapisan kromatiknya yang tidak memiliki perspektif apa pun, tampaknya secara misterius mengantisipasi beberapa lukisan dari avant-garde awal abad ke-20, seperti yang dilakukan oleh Schiele dan Klimt.

Ketertarikan pada lukisan pemandangan kota yang dimulai oleh Lorenzetti ini tidak menciptakan tradisi yang berkesinambungan atau luar biasa di Italia (walaupun pemandangan kota yang kecil tapi cerah muncul sebagai latar belakang dalam beberapa karya pelukis paling terkenal pada masa itu, seperti yang dapat kita temukan dalam “Saint Helena and the Holy Cross” oleh Piero della Francesca) hingga akhir Quattrocento.

Pada saat itu, beberapa pelukis Venesia, terutama Vittore Carpaccio dan Gentile Bellini, menciptakan apa yang dapat dianggap sebagai “zaman keemasan” pertama lukisan lanskap kota dalam Seni Barat, awal yang berumur pendek namun luar biasa untuk “lukisan vedute”, yang kami akan belajar di bab yang akan datang.

Juga tidak ada tradisi lukisan pemandangan kota di Eropa Utara, meskipun, seperti yang terjadi di Italia, banyak pelukis terpenting pada masa itu memasukkan representasi kota yang indah sebagai latar belakang dalam banyak lukisannya, seperti Albrecht Altdorfer dalam lukisan spektakuler.

“Pertempuran Alexander di Issus” (1529). Namun, eksperimen paling luar biasa dalam lanskap perkotaan di Jerman Renaisans dilakukan oleh para pencetak dan pengukir, terutama Michael Wolgemut.

Dalam “Madonna of Chancellor Rolin” yang sangat rinci, Jan van Eyck memasukkan di bagian bawah komposisi representasi yang menakjubkan dari kota sungai, mungkin Lyon (Prancis).

Namun terlepas dari kualitas representasi ini, kota ini tidak mencapai status “peran utama” dalam lukisan itu, seperti di “Kuil Santo Ursula” karya Hans Memling. Umumnya, lukisan Belanda, dengan pengecualian seperti Maarten van Heemskerck, tidak menunjukkan minat yang besar pada lukisan lanskap perkotaan sampai titik balik penting yang akan kita pelajari di bab berikutnya.

Pembentukan lanskap kota: Sekolah Delft

Kota Delft yang indah, di Belanda Barat, telah menimbulkan kekaguman khusus di kalangan pelukis sejak akhir Renaissance, muncul dalam karya-karya seperti “Delft Vanuit het Westen” (c.1615), oleh Hendrick Cornelisz Vroom.

Tapi itu selama paruh kedua abad ketujuh belas, setelah ledakan dahsyat yang terjadi di kota pada tahun 1654 (terutama diwakili oleh pelukis Egbert van der Poel dalam “Ledakan di Delft”), ketika “Sekolah Delft” mencapai puncaknya.

Artis paling menonjol dari sekolah ini adalah Johannes Vermeer. Bukan pelukis yang produktif, hanya 35 karya yang bisa diatribusikan dengan pasti kepada sang seniman.

Dan, di antara mereka, ada dua pemandangan kota yang dapat dianggap sebagai lukisan paling penting yang pernah ada. Yang pertama adalah “Pemandangan Delft” yang terkenal, yang oleh Marcel Proust dianggap sebagai “gambar terindah di dunia.”

Di dalamnya, ketepatan luar biasa yang digunakan seniman melukis arsitektur Delft membuat beberapa kritikus menyarankan bahwa seniman itu menggunakan kamera obscura, meskipun fakta ini belum dikonfirmasi.

Kurang terkenal dari karya sebelumnya, “Jalan di Delft” (juga dikenal sebagai “Jalan kecil”, 1661, Rijksmuseum, Amsterdam) menggabungkan komposisi yang tampaknya sederhana dengan beberapa elemen, seperti asimetri yang ditandai dari komposisi atau fokus pada kehidupan sehari-hari.

Canaletto dan para vedutista

Selama awal abad kedelapan belas, adalah hal biasa di kalangan pengusaha Inggris yang kaya untuk melakukan perjalanan ke kota-kota besar Italia, termasuk Venesia; perjalanan yang dikenal sebagai “Grand Tour”.

Berhasrat untuk kembali ke utara yang hujan dengan suvenir yang layak dari cahaya dan arsitektur Venesia, para pelancong sangat ingin mendapatkan pemandangan “City of the Channels” yang dilukis oleh seniman lokal, sehingga mempromosikan pembentukan lukisan genre baru, Vedute.

Pewaris pelukis Venesia yang disebutkan di atas dari Quattrocento akhir dan Cinquecento awal (Carpaccio, Bellini), pelukis vedute tidak memerlukan “alasan” (seperti resepsi kerajaan atau kepausan) untuk memasukkan kota dalam lukisannya: Venesia cahayanya, arsitekturnya adalah satu-satunya bintang komposisi.…

Lukisan Gua Tertua di India Berusia 1000 Tahun

Lukisan Gua Tertua di India Berusia 1000 Tahun – Penduduk setempat telah mengetahui tentang karya seni dari generasi ke generasi, tetapi para arkeolog pemerintah baru mulai mendokumentasikannya musim panas ini

Para arkeolog mengatakan lukisan gua yang ditemukan di pegunungan Aravalli di India barat laut mungkin dibuat lebih dari 20.000 tahun yang lalu. Seperti yang dilaporkan Shubhangi Misra untuk Print, daerah di mana seni itu berada, di negara bagian Haryana, juga merupakan rumah bagi alat-alat dan peralatan pembuatan alat yang jauh lebih tua yang berasal dari 100.000 tahun yang lalu.

Banani Bhattacharya, wakil direktur Departemen Arkeologi dan Museum Haryana, mengatakan kepada Print bahwa para ahli telah menemukan setidaknya 28 situs kuno di Haryana hingga saat ini.

Beberapa melacak akar mereka ke masa Harappan atau Lembah Indus peradaban, yang dimulai sekitar 2500 SM, sementara yang lain jauh lebih tua. Berdasarkan sejarah panjang pemukiman di daerah tersebut, para arkeolog telah mampu melacak perkembangan pembuatan alat dan munculnya seni.

“Beberapa adalah gambar garis, yang merupakan yang tertua, ketika manusia belum benar-benar menemukan cara menggambar pola yang rumit,” kata Bhattaharya. “Kemudian kita bisa melihat gambar berbagai bentuk geometris, dedaunan, binatang, dan sosok manusia. Kami telah menemukan beberapa simbol yang terlihat seperti tanda cangkir, yang mungkin disimpan untuk tujuan khusus.”

Bahan yang digunakan untuk membuat seni berubah dari waktu ke waktu, dengan sebagian besar selesai di oker tetapi lainnya, yang lebih baru, diberikan dalam warna putih.

“Lukisan Zaman Batu umumnya menggunakan warna merah dan oker,” kata Bhattaharya kepada Sadia Akhtar dari Hindustan Times. “Batu warna ini dulunya tersedia secara lokal dan penduduk menghancurkan batu untuk menyiapkan warna lukisan.”

The Times melaporkan bahwa orang-orang yang tinggal di dekat situs itu telah mengetahui lukisan-lukisan itu dari generasi ke generasi. Banyak kambing berjalan atau merumput di dekatnya. Namun tim arkeologi pemerintah India baru mulai menyelidiki gua tersebut musim panas ini.

“Kami tahu bahwa lukisan-lukisan ini pasti sudah cukup tua,” kata Hamid, seorang penduduk desa Sela Kheri yang hanya menggunakan satu nama, kepada Times. “Ini jelas jika Anda melihat mereka. Namun, seseorang tidak dapat memahami atau memahami simbol atau tulisan. Mereka telah mengumpulkan debu selama bertahun-tahun.”

Menurut Sukhbir Siwach dan Sakshi Dayal dari Indian Express, aktivis lingkungan lokal Sunil Harsana, yang telah mendokumentasikan satwa liar, tumbuh-tumbuhan dan fitur lain dari daerah tersebut, mengambil foto seni dan membawanya ke perhatian arkeolog.

“Gua-gua tersebut berada di daerah yang sulit dijangkau, jadi kami harus membuat perencanaan sebelum pergi,” kata Harsana. “Itu di tebing tinggi dan medannya sangat sulit, itu adalah tingkat kesulitan maksimum dalam hal pendakian. Ini mungkin mengapa gua dan seni bertahan juga, karena orang biasanya tidak pergi ke sana.”

Bhattacharya mengatakan kepada Times bahwa waktu pembuatan lukisan belum ditentukan, tetapi tampaknya berasal dari Zaman Batu akhir. Selain lukisan, tim juga menemukan seni cadas dan situs seremonial. Beberapa penemuan ditemukan di tempat terbuka, tetapi sebagian besar berada di langit-langit tempat perlindungan batu.

Lukisan-lukisan dan tempat-tempat di mana mereka ditemukan berbagi fitur dengan tempat perlindungan batu Bhimbetka di negara bagian Madhya Pradesh, yang terletak di tenggara situs arkeologi baru.

Sekretaris Utama Haryana Ashok Khemka mengatakan kepada Indian Express bahwa pemerintah berencana untuk memberikan status lindung ke hutan Mangar Bani tempat penemuan itu dibuat. Tim akan terus menyelidiki dan mendokumentasikan situs tersebut.

“Dalam waktu dekat, kami akan melakukan penggalian parit percobaan, mendokumentasikan dan memetakan semua tempat perlindungan batu dan situs terbuka,” kata Khemka. “Teknik penanggalan radio karbon dan spektrometri massa akselerator akan digunakan untuk menentukan penanggalan lukisan gua.”

Harsana, aktivis lokal, mengatakan penting bagi pemerintah untuk menindaklanjuti dan memastikan kawasan itu benar-benar dilindungi.

“Sebuah situs warisan telah ditemukan di sini,” katanya kepada Times . “Sangat penting bahwa para ahli melakukan penyelidikan yang diperlukan dan memastikan bahwa orang-orang diberi tahu tentang pentingnya situs tersebut. Situs-situs ini perlu dilindungi agar generasi mendatang dapat memahami sejarah kawasan ini.”…